El camino hacia Santiago

La Catedral de Santiago de Compostela está considerada la obra cumbre de la arquitectura románica española. Allí se encuentran los restos del apóstol Santiago. Los restos del apóstol se descubrieron en esta ciudad a principios del siglo IX, y un siglo después se levantó la primera basílica, destruida por Almanzar. Y finalmente, en el 1075, con el obispo Diego Peláez se comenzó la construción del edificio actual, que finalizó entre los años 1122 y 1128
En este templo finaliza el Camino de Santiago, ruta de peregrinación establecida por los monjes de Cluny que se convirtió en uno de los focos culturales más importantes de la edad media europea. Durante el siglo X las condiciones para el desarrollo de la peregrinación compostelana fueron poco favorables, debido a la inseguridad del Camino y a la concentración de los afanes cristianos en la defensa frente al califato de Córdoba. Es a partir del siglo XI cuando se consolida plenamente esta ruta de peregrinación, coincidiendo con el crecimiento y la expansión económica que se producen en toda Europa.
Yo hice el camino de Santiago con 14 años, en una peregrinación organizada por mi colegio. Éramos un grupo de unos 40 chicos y chicas de diferentes partes de España acompañados por varios monitores. Esta ha sido una de las experiencias que nunca podré olvidar. Estoy segura que es una experiencia enriquecedora para todas las personas que lo hacen. No es sólo una ruta de senderismo como tantas otras, no es sólo el espíritu de superación, ni el compañerismo. En el camino de Santiago hay algo más. Es la meta. No se llega a cualquier sitio, a la cima de una montaña alta o a un gran paraje natural. Se llega a una catedral a la catedral de Santiago, donde rezarás delante del apóstol y le agradecerás la experiencia vivida durante esos días.
Recuerdo como en esos días consigues olvidarte de tu propio cansancio o de tus propias necesidades para ayudar al otro. Puede que te doliese mucho la espalda por el peso de tu mochila, pero si veías a uno de tus amigos peor que tú, le ayudabas a cargar con la suya. O a lo mejor tu ibas muy bien, y tenías ganas de llegar al albergue, pero tú amigo estaba cansado, y te sentabas a descansar con él.
Igual de enriquecedora es la oportunidad de concoer gente de todas las partes del mundo, con distinta cultura que tú, distintas creencias, distintas inquietudes... pero todos tienen algo en común, son peregrinos. Y dices eso de "buen camino" a todos ellos.
Nunca olvidaré la sensación que tuve, cuando en el monte del Gozo contemplé unos instantes la Catedral. No era la primera vez que iba a Santiago, ni la primera vez que veía esa catedral. Pero esta vez era diferente. Había llegado andadndo, era un peregrina, y el llegar allí era el final de una etapa, era la última etapa.
Sin dudarlo dos veces, si tengo la oportunidad de volver a hacerlo, lo haría.

Son mucho los cuadros de Goya que podría comentar pero hoy me ha llamado la atención este de la familia de los duques de Osuna. Este pintor español de la segunda mitad del siglo XVIII,dedicó gran parte de su obra a retrartar al medio burgués, culto e intelectual de la capital española de su época. Cabe destacar su capacidad de ánalisis de sus modelos, la capacidad que tiene para hacer casi un retrato psicológico, y su maestría técnica, esto loc onvierte en uno de los mejores retratistas de la historia de la pintura. Pero no es de la maestría de Goya de la que quiero hablar. Esta vez quiero pararme a reflexionar sobre la familia, un concepto que hasta hace relativamente poco, nadie dudaba de lo que era. Si a un niño le pedían en el colegio que dibujara a su familia, el niño pintaba a mamá, papá y a los hermanitos. Pero, y ¿ahora? El otro día en un programa de la televisión en España estuvo de invitado el primer hombre embarazo. Son dos palabras que creo que cualquier persona con sentido común, se puede dar cuenta que son contradictorias. Una mujer que se operó para hacer hombre, se casó con una mujer y ahora es "el-ella" el que espera el bebé. ¿Está pareja se ha planteado como explicará esto a la criatura?
En la sociedad enla que vivimos, en la que el concepto y la idea de familia tradicional, está siendo practicamente olvidada, es más está siendo transformada. Y en todo este proceso, lo que más lo sufren son lo niños. Tendrán que asimilar y entender situaciones que muy probablemente les harán sufrir. Un sufrimiento que podría ser evitado.
Me cuesta entener a los que dicen que es parte del progreso humano, que hay que modernizarse, abrir la mente a nuevas ideas y formas de pensar. Pero para mí la persona y su esencia está por encima de todas esas modernidades.

He de reconocer que cuando vi esta pintura de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina la primera vez, me decepcionó un poco. Supongo que fue porque me pareció muy pequeño. Aún así es una pintura que me impresiona y me llena de ilusión. Es bonito pensar en que con cada uno de nosotros Dios hace eso, pone su dedo sobre el nuestro para darnos la vida, para darnos su vida. Me hace pensar en lo afortunados que somos, al sabernos Hijos de Dios, tocados directamente por Él. Tengo la sensación que tiene que ser dificil vivir pensando que estás en el mundo de casualidad, que nadie te eligió, que nadie pensó en tí y por eso quiso ponerte en el mundo.
Por eso me siento afortunada al saber que Dios ha puesto su dedo sobre el mio cuando me creó. Y además saber que estoy hecha a su imagen y semajanza.
En esta escena pintada por el artista italiano, se puede contemplar a Dios emergiendo del cais confuso previo a Su Palabra, para separar las aguas de las tierras y de este modo crear el mundo por la sola acción del verbo.
Sin embargo, Miguel Ángel traduce el efecto de la palabra en un gesto poderoso, en el que Dios separa ambas manos, cada una de ellas recipientes de poder, como si fueran dos mundos opuestos que han de ser arrojados cada uno a un lado del universo.

¿En qué piensa el pensador?

Esta escultura es otra de las que estudié en el colegio en la asignatura de historia del arte. Y fue otra de las obras que me gustaron desde el principio. Me impresionaba que un hombre pensando fuera digno de ser una obra de arte. Como si pensar fuera algo de extraordinario.
Me resulta muy interesante el origen de esta escultura.
Esta obra se denominó originalmente El poeta, y formaba parte del Museo de Artes Decorativas de París con el objetivo de crear un monumental portal basado en la obra de Dante de La Divina Comedia. Cada estatua representaba a uno de los personajes principales del poema.
Y esta escultura en concreto quería representar a Dante frente a Las Puertas del Infierno.
Esta referencia a Dante pesistió por lo menos hasta 1885, año en que Mirbeau escribió: El Dante está sentado, su cabeza inclinada hacia adelante, el brazo derecho descansando sobre la pierna izquierda, impresionando en la forma desnuda un bello movimiento trágico.


El volver a observar esta obra me ha echo pensar de la importancia de parar unos instantes al día para poder pensar. Estamos tan inmersos en el ritmo frenético de nuestra vida diaria, que muchas veces no somos capaces de dedicar unos minutos del día para nosotros mismos. Y parece que tenemos que esperar a que lleguen el fin de semana, el día festivo o las vacaciones para tener tiempo para nosotros. Y parece que tenemos que ir a una montaña lejana, o un lugar lejano y recóndito de la naturaleza para "encontrarnos a nosotros mismos"
Todo sería mas fácil si nos dieramos cuenta que cualquier momento del día lo podiamos aprovechar, para pensar en lo que nos pasa, lo que nos rodea, a tomarnos un respiro y poder pensar un poco más antes de tomar decisiones.
También me hizo pensar en la importancia de la filosofía. Cuando estudiaba filosofía en el colegio, estudié todas las corrientes más influenyes y a los autore más importantes. Pero ha sido con le paso de los años, y con las experiencias vividas que he aprendido el sentido de tener una base en filosofía. Para entender la evolución del hombre hay que entener la evolución de su forma de pensar.

Los antiguos difuntos

Egipto es uno de los países que me gustaría conocer y poder descubrir una forma de arte muy diferente a la que estamos acostumbrados en Europa.
De todas los grandes y fascinantes obras de arte que se pueden visitar en Egipto, creo que la que más me impresionaría son las pirámides de Gizeh.
Además de impresionarme la magstuosidad de las pirámides, me fascina el pensar lo que en la cultura egipcio representaba. Es curioso ver como en cada época y en cada cultura el culto a los muertos ha sido diferente.
El fin que se perseguía con las pirámides era preservar y proteger los cuerpos de los faraones para la eternidad. Cada pirámide formaba parte de un conjunto en el que figuraban un templo en el valle, un embarcadero y un corredor de comunicación entre unos espacios y otros, así como también un espacio reservado para realizar los ritos religiosos previos al enterramiento.
Me resulta cuirioso el pensar en que ya los egipcios intuyeron qeu había algo más alle de muerte, que no todo acaba ahí. Y por eso preparaban a sus difuntos para el viaje al más allá.
Los egipcios creían en la inmortalidad del alma así corno en la eternidad de las recompensas y castigos de la otra vida. Suponían que el alma, apenas salida del cuerpo se presentaba ante Osiris y su Tribunal integrado por 42 jueces, y allí rendía un examen sobre su vida, de acuerdo a un formulario contenidp en el “Libro de los Muertos”. En caso de aprobar su examen, viviría eternamente junto al dios. En caso contrario sufriría tormentos eternos.

Por ello todo egipcio se preocupaba por aprender de memoria su defensa ante el Supremo Tribunal: las fórmulas sagradas eran depositadas junto al cadáver, e incluso se las recordaba leyéndoselas al oído durante los funerales.

De esta manera podemos entender hasta que punto era para ellos importante la vida después de la muerte.

Esto me hace pensar que en el ser humano ha existido siempre la necesidad de darle uns sentido a nuestro paso por la Tierra. Las preguntas sobre le sentido de la vida y el sentido de nuestra existencia han estado siempre ahí.

Y es que es inevitable que el hombre tenga esa inquietud en su alma, aunque nosotros por suerte tenemos una ventaja con respecto a los egicios, y es que ya entendimos lo que nos espera después de la muerte no depende de ninguna fórmula sagrada ni de ningún examen frente a un Tribunal.

El grito que no se oye

El otro día, al salir de la oficina en la que trabajo, me fije que uno de los cuadros que tenemos colgado en la pared es el de El grito de Munch. No puedo decir que sea un cuadro que me guste, pero creo que el autor consiguió trasmitir perfectamente la angustia y la desesperación.
De camino a casa, me quedé pensando en este cuadro. Y me di cuenta que representa una realidad de la que pocas veces nos damos cuenta.
Son muchas las personas que están gritando a nuestro alrededor y nosostros no lo oimos. Vivimos tan sumergidos en el ritmo acelerado de nuestras vidas, que puede que una persona muy cercana a nosotros está gritando pidiendo auxilio y esta reclamación de ayuda nos pase desapercibida.
En unas notas de 1886 escritas por el autor en Niza, Munch recuerda la situación que daría origen al cuadro: “Iba caminando con dos amigos por el paseo el sol se ponía - el cielo se volvió de pronto rojo - yo me pare - cansado me apoye en una baranda - sobre la ciudad y el fiordo oscuro azul no veía sino sangre y lenguas de fuego - mis amigos continuaban su marcha y yo seguía detenido en el mismo lugar temblando de miedo - y sentía que un alarido infinito penetraba toda la naturaleza"
Tras leer un pensamiento así del autor, es fácil comprender como fue capaz de trasmitir tanta angustia y desesperación en un cuadro.
En los estudios interpretativos de esta obra del pintor noruego, se debate si Munch quería expresar una angustía personal o era una crítica a la revolución económica y social que le toco vivir.
En mi opinión representa las dos cosas. Pero lo que a mi más me impresiona es como consigue crear cierta sensación de angustia solo mirando al cuadro.
He encontrado un poema del autor chileno Ernest Würth que habla sobre el cuadro y me ha parecido muy interesante.

Leí hoy poemas románticos……,

volví a mirar el Grito, de Munch;

quise mirar el mundo tan ancho, tan amplio,

transformar mi propia evolución´´

quiero gritar muy fuerte ¡hasta cuando Dios!

Miro América del Sur, territorio grande,

explotado, miserable,

abusado por todos los que ofrecen un cambio,

ideologías de vanales obseciones,

izquierdas, derechas, bolcheviques, centros eyaculables,

todos iguales….. personalidades despreciables

aquí, allá, todos hablan de crisis

se venden autos, refrigeradores, bagatelas, porquerías,

nadie piensa en arte, intelectos, salud, educación, vivir la vida,

vemos coimas, pedofilia, estupro, narcotráfico, nada de poesía,

¿es el siglo XXI tan apetecido, añorado?

Ay amigos! Ay políticos ¡ ay tú ¡ caminando por éstas vías

Han pasado siglos ¡ ha caminado la vida!

Subido montañas, navegado, volado espacios,

¿y donde estás tú, donde estoy yo?

Sumergidos en el estiércol de la economía…´´

cantando sinfonía de coros mudos, voces mudas, muy despacio…

parece vivimos en el mundo de batracios.

El grito de Munch y…….los poetas…nuestra poesía;

me han hecho pensar en todas esas cosas de la vida,

no soy político, ni psicópata, ……., represento la melancolía

deseo preguntar…¿Dónde está la verdad…ésa sinfonía?

¿Dónde están los colores, los azules, violetas?…¿solo crisis?

…….un escenario…sin coreografía.

Este grito que rebota como eco en las montañas

es la crisis de no poder decir que es la crisis,

no hay trabajo, dinero, miseria, hay engaños,

niños sin comer, guerras económicas, pobrezas, días grises,

pero las economías crecen, hay gente que tiene mucho, pero,

no te dan nada…nada…porque hay crisis…crisis…nada, nada.

Ese es el mundo de hoy…el no te puedo dar…porque hay crisis,

desde que tengo uso de razón he oído igual,

todo se repite.

La riqueza aumenta, la pobreza también

pero no pueden dar nada porque hay crisis

eso se llama ahora solidaridad…darte menos…nada…¡menos mal ¡

Munch pintó el grito en 1893;

¡que grito más largo. Tiene 110 años y se oye igual!

Angustia extensa, pobreza eterna, agonía….

la verdad tal cual,

todos aplauden la maravillosa economía,

el mundo se alimenta mal pero aprueba la globalización,

nadie entiende nada…el grito de Munch se hizo canción.

Pero nosotros amigos poetas, me han hecho rememorar…

Miro con angustia ese grito de Munch

Creo que el autor consigue ponerle palabras al cuadro. Un cuadro no tiene sonido propio, pero Munch estuvo muy cerca de conseguirlo.

Guernica, historia e historias

No soy muy seguidora del arte contemporáneo. Me gusta ver un cuadro o una escultura y entender lo que hay ahí y lo que el autor quería trasmitir. Podría decir que soy más seguidora del arte realista. Pero hay cuadros que me fascianan por la forma en que consiguen que tu imaginación eche a volar, y eso lo que me pasó enprimero de carrera cuando tuve que hacer un análisis del cuadro de "El Guernica" del pintor español Pablo Picasso.
Este cuadro describe el bombardeo de la localidad vasca por parte de la Legión Cóndor alemana el 26 de abril de 1937. Para realizar este inmenso lienzo, que podría encuadrarse dentro del cubismo, Picasso realizó más de 60 croquis preparatorios en color; sin embargo la obra definitiva es en blanco, negro y grises para destacar la violencia de la masacre. En el centro, el caballo herido por una lanza simboliza las víctimas inocentes
El 26 de abril de 1937, durante la Guerra Civil española, la aviación alemana, por orden de Francisco Franco, bombardeó el pueblo vasco de Guernica. Pocas semanas después Picasso comenzó a pintar el enorme mural conocido como Guernica. En menos de dos meses terminó la obra, exhibiéndola en el pabellón español de la Exposición Internacional de París de 1937. El cuadro no retrata el acontecimiento en sí; más bien quiso expresar con él la violencia y crueldad del acontecimiento mediante la utilización de imágenes como el toro, el caballo moribundo, el guerrero caído, la madre con su hijo muerto o una mujer atrapada en un edificio en llamas. Pese a la complejidad de estos y otros símbolos, y a la imposibilidad de dar a la obra una interpretación definitiva, el Guernica logró un aplastante impacto como retrato-denuncia de los horrores de la guerra.
Las figuras representadas, el caballo, el toro, la paloma, el sol o la mujer que sostiene un quinqué, están provistas de una función simbólica que confiere al cuadro su carácter universal y atemporal. Por otra parte, es esta preocupación por ir más allá del evento histórico propiamente dicho, lo que explica la ausencia de fecha de ejecución y de la propia firma del autor, datos que, sin embargo, Picasso hacía figurar sistemáticamente en toda su producción.
En el trabajo que hice para mi clase de arte, hice un análisis de las distintas interpretaciones que se han hecho de este cuadro a lo largo de la historia.
Ahora volviendo a leer a ese trabajo me daba cuenta de algo. Quizá el hecho de que un cuadro que representa el horror de la guerra, tenga tantas interpretaciones, esté lleno de sentido. Para entender una guerra, una discuxión un enfrentamiento... es necesario conocer todos los puntos de vista, entenderlo de todas la formas posibles. Es necesario estudiar siempre todos los ángulos posibles.

Y su madre guardaba estas cosas en su corazón

Siempre que veo la escultura de la Piedad del maestro Miguel Ángel, pienso en este versículo del Evangelio "Y su madre guardaba estas cosas en su corazón." Lc 2, 51
Si tuviera que elegir mi parte favorita del Vaticano eligiría esta escultura. Creo que es la imagen más tierna que se ha hecho de María con su hijo. En un momento tan especial como tuvo que ser ese, Miguel Ángel consigue trasmitir en la mirada de María todo lo que ella guardaba en su corazón.
Esta escena me hace pensar en lo que tuvo que sentir María, con su hijo muerto en brazos. El mismo Jesús que se perdió en el Templo, el mismo al que aviso que se había acabado el vino, ese mismo Jesús, al que tantas a veces había acunado de niño mientras lloraba, al que enseño a leer, con el que jugó...
Para mí esta imagen expresa perfectamente todo eso que María fue guardando en su corazón. La forma en la que le sujesta, en el que le tiene en su regazo, me recuerda al modo en el que una madre coge en brazos a su bebé recién nacido y lo acuna con ternura y cariño al verlo tan indefenso.
Desde el punto de vista artístico se puede destacar que es una obra de bulto redondo, lo que significa que se puede ver en todos los ángulos, pero el punto de vista es frontal. Algo que me parece también muy significativo para la escena que representa. Para entener el momento que aquí se representa, se puede ver desde cualquier parte, para entender el dolor de una madre frente a su hijo arrebatado, no ahce falta saber nada más. Pero para captar toda la esencia, el punto de vista debe ser frontal, es como decir que para entender por completo la obra, nhay que conocer todo lo que hay detrás, hay que mirar de frente al Jesús crucificado y a la madre que no se separa ni un segundo de su lado. Y que lo sostiene hasta el final, hasta cuando parecía que ya no había nada que hacer. Ella guardaba todas estas cosas en su corazón.

El matrimonio Arnolfini

Podría decir que es uno de mis cuadros favoritos.

El Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa Jeanne Cenami es del pintor flamenco Jan van Eyck; del año 1434. Representa al rico mercader y a su esposa, que vivieron en la ciudad de Brujas entre 1420 y 1472. Los historiadores del arte aún discuten exactamente la imagen que el cuadro presenta, la tesis introducida por Erwin Panofsky sostiene que la imagen corresponde al matrimonio celebrado en secreto y atestiguado por el pintor. Sin embargo, muchas otras interpretaciones se han propuesto acerca del mismo, y el consenso actual es que la teoría de Panofsky es difícilmente sostenible.

La primera vez que vi este cuadro fue cuando estudiaba Historia del Arte el último año de Instituto. Desde que empezamos a analizarlo, me fascinó. Hay algo en esta imagen que me impresiona. Y cuando tuve oportunidad de ver el original, el efecto que causó en mí no fue menos de lo que esperaba.

Hay un amplio análisis sobre todos los elementos que aparecen en la pintura. Casi todos los elementos representan el amor, la fidelidad y la unión con Dios. En este cuadro puedo ver todo lo que para mí significa el matrimonio.

Me gusta especialmente el sentido del espejo, los rosarios y la lámpara

Los rosarios eran un regalo habitual del novio a su futura esposa. El cristal es signo de pureza, y el rosario sugiere la virtud de la novia y su obligación de ser devota. También el cristal del espejo alude a la pureza del sacramento del matrimonio. En torno al espejo se muestran 10 de las 14 estaciones del Vía Crucis. Lo que nos indica que la interpretación del cuadro debe ser cristiana y espiritual. La lámpara sólo tiene una vela, que simboliza la llama del amor (era costumbre flamenca encender una vela el primer día de la boda). Pero también recuerda la candela que luce siempre en el sagrario de la iglesia, la permanente presencia de Cristo.

Tras leer los distintos análisis de este cuadro y de cada uno de los detalles que el autor quiso representar, para mí sigue habiendo un misterio en esta imagen, como si cada vez que lo miro, descubro algo nuevo.